23 - Recherche-création : Monstration des œuvres arts et sciences au prisme du posthumain

Cette communication propose un récit de pratique réflexif sur la création de « Dérivoïds ». Ce travail s’inscrit dans un cycle pluriannuel où Emmanuel Guy revisite ses recherches sur le transport maritime, à la fois dans les rôles du chercheur en sciences sociales et de l’artiste visuel. 

Cette approche repose sur une interversion méthodologique. Elle s’appuie sur l’idée que l’art est un système d’organisation du rapport au monde, permettant de recueillir, structurer et interpréter des informations. L’enjeu est alors de questionner ce que révèle l’application d’une démarche artistique à des recherches en géographie et en études organisationnelles, en abordant le transport maritime comme un processus de création de valeur par le déplacement normé d’une matière. 

« Dérivoïds » explore cette dynamique à travers un dispositif low-tech observant les relations entre spatialité et matérialité dans les gestes du quotidien. Il se compose de sculptures modulaires en frêne cintré à la vapeur. Lorsqu’elles sont manipulées dans l’espace public, en invitant les passants à interagir avec ces sculptures, ce projet documente leur expérience des lieux et de leur composition matérielle. La communication prendra la forme d’une conférence augmentée d’une monstration d’œuvre à travers de courts montages vidéo.

Cette communication présente un récit de pratique en recherche-création à l’intersection entre arts, sciences et design, explorant une série de sculptures réalisées à partir de déchets textiles. Inspirées par des enjeux du design vestimentaire, ces œuvres interrogent l’obsession des surfaces lisses, tout en sublimant les matières rejetées afin de révéler leur potentiel poétique et critique. En associant fibres textiles recyclées et structures trouvées, elles prennent la forme de colonnes stratigraphiques retraçant l’évolution des matières et couleurs devenues rebuts, tout en soulignant la charge écologique de la production manufacturière. 

Cette démarche s’inscrit dans une recherche par le design où la matérialité devient un vecteur d’interrogation. Plutôt que de masquer les imperfections, les œuvres valorisent l’organicité rugueuse et l’aspect rebelle des matières. 

La communication propose une réflexion sur la manière dont ces sculptures « font parler la matière » et mobilisent les connaissances de manière sensible et engageante. À travers une analyse des collaborations arts-sciences et des stratégies du design activiste, il s’agira de montrer comment ces artefacts perturbent les normes et ouvrent des perspectives critiques sur la production textile.

Cette communication porte sur le développement théorique du concept de « médium-milieu » et son application dans le domaine du commissariat d’exposition. La notion de « médium-milieu » vise à souligner l’investissement des artistes dans leur médium afin de rendre compte de l’importance du contexte et des rapports écologiques qui traversent leur œuvre.

Dans une perspective à la fois matérialiste et spéculative, et en lien avec des œuvres interrogeant la crise écologique contemporaine, la présentation proposera des gestes, protocoles et postures permettant au public de ressentir les complexités d’interaction générées par un ensemble d’œuvres dans un espace donné. Elle inclura notamment des « gestes spéculatifs » invitant à imaginer des modes d’existence souhaitables, tout en travaillant à l’empouvoirement des artistes comme des publics.

Le rôle du commissaire ne peut plus aujourd’hui se limiter à rassembler des œuvres, mais doit s’adapter pour rendre davantage sensibles les agentivités et matérialités singulières présentes dans l’œuvre, insistant sur une dimension de soin, telle que l’évoque le terme anglais « curator ».

Cette communication porte sur l’œuvre Cyborg T.A.R.O.T. développée dans le cadre du Chantier IA 2024 du centre d’artiste Sporobole. Il s’agit d’un dispositif interactif inspiré par le posthumanisme et les arcanes majeurs du tarot.               

Cet artefact, conçu dans un cadre de recherche-création, explore le rôle du bruit dans le processus créatif. Le bruit y est présenté en tant que « force-relation transformatrice », permettant l’émergence de l’inédit dans les interactions avec les machines, notamment l’intelligence artificielle et les moteurs de création de jeux.

La communication portera sur un événement marquant du processus créatif : la nécessité de contaminer les modèles d’IA génératives par le collage analogique. Cette approche, inspirée par les tactiques de détournement de la musique bruitiste et industrielle, opère un renversement de l’entraînement des modèles à partir de données massives. Ce croisement produit une résonance singulière entre le dispositif et l’utilisateur. Enfin, le rôle des collaborations entre humains et machines sera abordé, mettant en lumière les erreurs, le bruit et la contingence comme moteurs de la créativité en IA.

 « Learning Machines » est un groupe de recherche situé au département d’éducation artistique de l’Université Concordia. Le groupe s’intéresse aux croisements et prolongements entre les technologies informatiques émergentes (IA, algorithmes et apprentissage automatique) et les agencements machiniques de la subjectivité (Deleuze et Guattari, 1980), à travers lesquels des configurations pédagogiques sont rendues perceptibles, déchiffrables, productives, et, par conséquent, valides et valables au sein de milieux éducatifs.

Cette communication porte sur une résidence de recherche-création aboutissant à l’assemblage de la performance « Learning Machines : Live from the Black Box! ». Cette production collaborative et spéculative détourne les codes télévisuels de l'infodivertissement et de l'émission éducative, activant diverses fabulations pédagogiques pour interroger les questions d’intelligence, d’artificialité, de cognition incarnée, de relations techno-humaines et des dynamiques complexes conditionnant l’enseignement et l’apprentissage.

Réalisée dans l’espace « boîte noire » de la Faculté des arts de l’Université Concordia, cette série d’expérimentations explore particulièrement les zones d’obscurité du calcul automatisé et de la théorie scientifique à travers le théâtre expérimental et des pédagogies atypiques. Cette présentation intégrera des extraits de la production finale, permettant de poursuivre, avec les participants du colloque, la réimagination de l’éducation artistique à l’ère de l’assimilation algorithmique.

À travers les projets « Mirage » et « Ondulation », réalisés avec le Musée d’art de Joliette, cette communication examine comment la recherche-création redéfinit les pratiques artistiques et les rôles du commissariat. Le vidéomapping, par son ancrage in situ, exige une adaptation constante aux contraintes techniques et architecturales, en faisant un terrain propice à l’expérimentation de nouvelles méthodologies. 

Des laboratoires de création ont ainsi été instaurés, offrant aux artistes un espace d’expérimentation et d’itération de leurs projets grâce à des cycles heuristiques (Paquin). Ces espaces collaboratifs ont permis de surmonter les défis techniques tout en nourrissant une réflexion sur les enjeux esthétiques et éthiques des œuvres numériques. Cette approche a également transformé le rôle du commissaire : au-delà de la sélection d’œuvres existantes, il devient un accompagnateur de la création, définissant avec les artistes des cadres de travail adaptés à leurs besoins. 

Cette présentation explorera les méthodologies collaboratives et outils numériques émergents en recherche-création. Elle interrogera également comment les technologies immersives, comme le vidéomapping, ouvrent de nouvelles perspectives pour la médiation culturelle et l’intégration des arts numériques dans l’espace public.

« Atmosphère primale » est un projet de recherche-création réalisé en collaboration avec le laboratoire Géosciences Environnement Toulouse (GET), spécialisé en géophysique et paléoclimatologie. À travers la conception d’une expérience polysensorielle, ce projet vise à sensibiliser le public au fait que l’air que nous respirons est relativement récent à l’échelle de l’histoire de la Terre (16 millions d’années). En retraçant les temps géologiques, il met en lumière le contraste entre la lenteur des processus terrestres et la rapidité des transformations climatiques induites par les activités humaines depuis 2,5 siècles.

S’appuyant sur les recherches menées par le GET, l’équipe artistique a d’abord recueilli et interprété des données, avant de concevoir un dispositif sensible invitant le public à expérimenter les atmosphères pré- et post-anthropocènes à travers une immersion sensorielle. Dans ce dispositif, les sons, les odeurs, la lumière, et le sable permettent de mieux saisir la fragilité des conditions rendant notre air respirable. La communication portera sur l’intégralité de ce projet, depuis sa conception jusqu’à son exposition, présentée du 30 mai au 15 novembre 2024 au Musée du Saut-du-Tarn. 

Cette communication part du constat que la recherche-création dans les arts vivants actuels favorise une méthodologie transversale, apportant de nouveaux éclairages sur les objets artistiques contemporains. Cette méthodologie s’inscrit dans un redéploiement discursif et pratique, dénommé « troisième sphère », un cadre théorique et pratique qui dépasse les binarités traditionnelles entre la recherche scientifique et la création artistique. Elle propose un nouveau territoire d'exploration, où la recherche-création se relie aux développements techno-scientifiques et au paradigme posthumaniste.

Dans ce cadre, plusieurs œuvres scéniques liées à la dynamique posthumaniste seront analysées, telles que « Le Sacre du Printemps » de Romeo Castellucci, un spectacle sans acteurs « vivants », et certaines installations de Fujiko Nakaya. Ces œuvres, emblématiques de la troisième sphère, convoquent des univers scientifiques et proposent des stratégies performatives novatrices. Enfin, le concept d’excommunication (Galloway) sera examiné pour explorer son lien avec la scientificité de la troisième sphère en recherche-création. Une analogie enrichissante sera postulée, susceptible d’alimenter à la fois la pensée posthumaniste et l'univers créatif de la troisième sphère.

Cette communication explore l’usage de ChatGPT dans la recherche-création de Julien Dajez, où l’intelligence artificielle participe à la diffraction des matérialités et des langages d’une œuvre audiovisuelle en circulation entre différents formats. Ce processus de métamorphose transmédiatique provoque des bifurcations poétiques et épistémiques, étendant la pratique de réalisateur vers une réflexion sur les structures du savoir et les modes d’expression. 

Investi comme une forme de post-production déterritorialisée (Bourriaud, 2001 ; Deleuze & Guattari, 1980), l’IA générative s’agence au texte comme un levier artistique, travaillant les tensions entre le lexique scientifique et sa transposition sensible. En réarticulant les biais discursifs et les régimes d’énonciation, elle active des trajectoires inédites où s’entrelacent reconfiguration terminologique et plasticité expressive. 

En parallèle, une autre dynamique de mutation du cadre de pensée infiltre le raisonnement scientifique à travers une logique de création itérative où langage, pouvoir et technologie s’éprouvent mutuellement. L’IA fonctionne alors comme un agent de déconstruction et d’agencement, engageant un processus où l’expérimentation perturbe le cadre des rhétoriques institutionnelles. Cette dynamique génère des formes spéculatives qui se déploient à travers des structures narratives fragmentées et des dispositifs médiatiques. Elle ouvre des zones d’instabilité entre perception algorithmique, gouvernance et structures techno-politiques. 

Cette présentation fait suite aux recherches menées dans le cadre du projet « Nous sommes tous des astronautes : scénarios et prototypes pour des temps extrêmes » (NSTDA), qui, depuis 2021, explore les enjeux des zones inondables, des matériaux innovants et des procédés d’impression dans la construction d’habitacles capsulaires et d’habitations d’urgence. 

La communication aborde la notion de « Digital Shadow » appliquée à l’œuvre de réalité étendue « Quand les flots bleus de la rivière et la pluie de la hauteville atteindront la galerie ». Le « Digital Shadow » désigne la réplique numérique d’un objet, d’un bâtiment ou d’un système, ici d’une galerie d’art. 

Les environnements jumelés étudiés comprennent la galerie des arts visuels de l’Université Laval et son ombre numérique, fusionnant les espaces virtuel et réel. Grâce à la réalité étendue (RX), un lieu expérimental simule l’inondation de la galerie. L'agentivité de l'ombre numérique interroge les frontières de l'espace, du temps et de l'identité, offrant ainsi une expérience esthétique potentiellement disruptive. Le projet poursuit la quête spéculative de NSTDA, en s’appuyant sur les recherches du Centre de Recherche en données et intelligence géospatiales de l’Université Laval (CRDIG).

À l’ère des intelligences artificielles génératives, les robots conversationnels s’invitent dans les processus d’écriture, offrant de nouvelles perspectives sur la collaboration entre humain et machine. Cette présentation sera un compte rendu sous forme de récit de pratique d’un projet de recherche-création interrogeant le rôle des intelligences artificielles dans l’acte créatif.

Trois axes principaux seront explorés : la réécriture sous contraintes littéraires, la génération de textes imitant un corpus spécifique et l’amélioration des textes existants. Les robots conversationnels, outils d’assistance technologique, sont envisagés ici comme des acteurs contribuant à la création au-delà de l’humain. En intégrant des contraintes stylistiques et structurelles précises, en analysant leur capacité à mimer un style littéraire donné et en testant leur habilité à générer des idées créatives et des améliorations narratives, ce projet questionne les frontières entre créativité humaine et agentivité algorithmique.

La présentation proposera une restitution des connaissances articulée autour d’exemples concrets : des textes générés par l’IA seront analysés et comparés à des créations originales pour illustrer les capacités, mais aussi les limites des modèles génératifs. Cette approche critique mettra en lumière les dynamiques collaboratives entre auteur et machine.

Cette communication présente le concept de performance différée à titre de pratique artistique. L’œuvre « La défaite des frênes », une déambulation performative captée en vidéo 360°, y est présentée comme étude de cas.

Dans le champ des arts visuels et médiatiques, les théories sur la performance identifient souvent la co-présence de l’artiste et du public comme caractéristique fondamentale du médium. Cette conception physique et temporelle de la présence alimente une césure entre l’œuvre et son document : la performance est unique et événementielle, indépendante des médias qui en témoignent. Plusieurs incohérences ou paradoxes émergent de cette conception, notamment en ce qui concerne la théorisation du médium. L’étude de la performance se fait souvent à partir de ses archives, mais le discours qui en découle prône une présence physique. 

En réponse à cette problématique, la communication propose que la médiation de la performance, par la vidéo dans le cas de « La défaite des frênes », est une partie intégrante de l’œuvre et peut même être nécessaire à sa logique interne.  Le concept du différé devient un outil théorique et poétique dans l’élaboration d’une pratique de la performance abordant la présence « différemment ».

Cette communication porte sur un récit de pratique en recherche-création vidéoludique, autour de la notion et du ressenti de violence physique. La présentation du processus de design mettra en lumière la relation entre la méthodologie, les éléments du jeu et les aspects personnels que l’auteur a insufflés à l’œuvre. 

Depuis une perspective somaesthétique (Shusterman, 1999; 2008), le design de l’expérience du jeu s’organise autour de la réflexion sur les ressentis du corps, tant celui de la personne qui joue que celui de l’avatar. Le corps de l’avatar, quant à lui, est le lieu privilégié de communication de ressentis tels que la douleur, l’essoufflement et la brutalité. Il est également le réceptacle des mécaniques, dynamiques et thématiques déployées pour susciter une expérience esthétique de la violence chez le joueur. 

La communication pourra inclure une démonstration de l’œuvre sous le format du jeu vidéo ou sous forme d’extraits vidéo.

L’installation interactive « Immaculée Conception Inc. » de Mariane Laporte anticipe la possible rupture du lien émotif et sensoriel entre la mère et son fœtus dans le cadre d’une grossesse par ectogenèse, où la gestation s’effectue entièrement ou partiellement hors du corps de la femme. Si les utérus artificiels ne sont pas encore utilisés pour la reproduction humaine, des tests sur des animaux ont donné des résultats prometteurs. Par ailleurs, la recherche sur les embryons synthétiques tend à repousser la limite éthique des 14 jours, ouvrant la voie à de nouvelles perspectives sur la maternité et la médicalisation de la naissance.

Ce projet, inscrit dans la mouvance du posthumanisme féministe, propose une réflexion collective sur ces enjeux. En participant à cette expérience ludique, les utilisatrices et utilisateurs conçoivent un enfant en 15 minutes grâce à l’IA générative et leurs données physiologiques. Leurs contributions sont ensuite assemblées selon un processus inspiré du cadavre exquis, accouchant d’une œuvre en perpétuelle évolution.

Cette communication portera plus particulièrement sur l’étape de la co-création de la mémoire fœtale par le récit oral dans « Immaculée Conception Inc. », interrogeant ainsi la co-construction d’une identité hybride, à la fois naturelle et artificielle.

La transmission du microbiome à la naissance joue un rôle fondamental dans la santé et le développement humain, illustrant l’interaction dynamique entre les communautés microbiennes maternelles et néonatales. Dès l’accouchement, le nouveau-né est exposé à une diversité microbienne qui façonne son propre écosystème, un processus influencé par le mode de naissance, l’allaitement et l’environnement. 

Un phénomène parallèle s’observe dans la décomposition post-mortem, où des consortiums microbiens spécialisés orchestrent la succession écologique en recyclant les nutriments et en modulant la dégradation des tissus. Bien que situés aux deux extrêmes du cycle de la vie, ces processus reflètent des dynamiques communes de transmission microbienne, soulignant l’omniprésence des interactions hôte-microbiome dans les transitions biologiques. 

Cette communication examine ces enjeux à travers la pratique de recherche-création de François Joseph Lapointe, qui explore ces interactions par le biais de performances artistiques, de visualisations scientifiques et d’installations interactives. La convergence entre art et science permet non seulement de traduire les processus microbiens en expériences sensibles, mais aussi d’interroger notre rapport au vivant.