601 - Apports de la recherche-création : cocréation intersectorielle, médiation culturelle numérique, pédagogie et organisation

Je propose une communication qui rendra compte d’une démarche de mini-(auto)ethnographie sur le processus de collaboration observé et vécu lors du laboratoire de recherche-création Wikwemot. J’appliquerai des cadres d’analyse inspirés à la fois des études organisationnelles et de la recherche-création. Les questions qui m’habitent pour ce laboratoire tournent autour de la collaboration transdisciplinaire et interculturelle dans une perspective néo-matérialiste – c’est-à-dire en considération des relations également à l’œuvre entre les participants, les artefacts et les produits numériques. La communication sera rédigée à partir de mes observations, qui se feront par prise de note de terrain, par enregistrements sonores, par récolte des traces numériques du processus ainsi que par captation numériques 3d des objets et de l’espace. Cette communication relatera également les moments saillants de ma participation, qui se concrétisera par une implication lors des séances d’idéation du laboratoire et par l’animation d’ateliers rétrospectives visant à faire ressortir les caractéristiques de cette collaboration.

Cette recherche-création, menée par une designer textile ayant travaillé 20 ans dans le domaine, répond à un besoin urgent de revaloriser une industrie de mode très polluante, en offrant une alternative à notre dépendance aux teintures pétrochimiques. Visant à développer des teintures locales, dans une optique d’économie circulaire, elle s’inspire de l’écologie industrielle (où les déchets d’une usine nourrissent une chaîne de production avoisinante) et du biomimétisme (qui utilise les modes opératoires du vivant comme technologie).  Cette démarche valorise des rebuts agroalimentaires et utilise des bactéries pour produire des pigments. Ce projet est une tentative de mise à l’échelle de prototypes réalisés en laboratoire et qui ont fait l’objet d’une exposition à l’École Supérieure de Mode de l’Uqam (2021), afin de permettre à l’écosystème de mode montréalais d’en tester le potentiel. J’ai réalisé une cartographie des acteurs locaux qui a mis en évidence les interactions systémiques et fécondes qu’elles pourraient générer. J’ai ainsi choisi un panel d’acteurs issus du design de mode, de la confection textile, de la valorisation des déchets, de la recherche et développement, de l’industrie et de la recherche universitaire en biotechnologie. Mon récit de collaborations intersectorielles parlera de nos échanges, succès, limites et expérimentations afin de montrer l’implication sociale du rôle du designer.

Depuis 2020, le Musée ambulant, un OBNL artistique qui a comme mission de démocratiser l'accès aux arts visuels et à la création, travaille à la conception d’un dispositif facilitant la diffusion nomade d’expériences de réalité virtuelle interactive et la création en 3D numérique avec les publics. Le second prototype de son Super véhicule d'immersion artistique (S-VIA II) est composé d'un numériseur 3D mobile, d’une flotte de casques de visionnement de réalité augmentée qui permettent le déplacement libre et l'interactivité, d’un dispositif réseautant les casques pour ouvrir l'expérience immersive à des activités de groupe, ainsi que d’un programme facilitant la création d’espaces de réalité virtuelle. Après plusieurs expérimentations auprès de groupes d'adultes et d'adolescent.e.s d'un peu partout au pays, les ateliers mobilisant le dispositif S-VIA et les stratégies de médiation adaptées à l’expérience de propositions artistiques immersives continuent à se déployer dans le cadre des différentes activités de production, de diffusion et de médiation artistique du Musée. Une présentation du prototype actuel et un retour sur ce processus d’innovation orienté par les objectifs et besoins de la médiation d’oeuvres avec différents publics permettra d’aborder quelques possibilités offertes par ce nouvel outil, développé grâce à des expertises issues du milieu de la médiation, du design industriel, de la programmation, du design utilisateur et d’interface.

« Venez parcourir et dessiner des partitions vivantes imaginées par le chorégraphe et dessinateur Laurent Cebe et l’artiste visuel Cindy Belaud en compagnie d’une vingtaine d’artistes laborantin·es »… « Et surtout des invitations à dessiner avec joie ! ». Voici en quels termes, le TU-Nantes présentait et invitait à postuler au projet Volcan au cours de l’été 2021. Dans ce laboratoire de création aux croisements de la danse et des arts plastiques réunissant un collectif constitué de six artistes et quatorze jeunes diplômé·es d’écoles d’arts, se sont inventés ici et là plusieurs natures et formats de rencontres : rencontre entre générations d’artistes (confirmés / émergents), entre disciplines artistiques - danse et dessin-, entre pratiques de travail, entre univers et lieux (le plateau du théâtre, le campus, les cités universitaires). Se présentant comme un laboratoire éphémère, partie prenante de la collaboration de trois ans de Laurent Cebe avec le TU, Volcan s’est inscrit au cœur du travail au long cours de l’artiste à la croisée de rencontres, de collaborations, d’opportunités. C’est sur ce terrain riche de questionnements et d’expérimentations pour les artistes, mais aussi pour notre collectif de chercheurs, que nous sommes engagées dans une recherche accompagnement depuis deux ans, dans le cadre du projet PACE - Publics - Artistes - Créations – Expériences - MSH Ange Guépin Nantes - FRANCE) .

Notre proposition démontre comment l’organisationalité politique d’une tecnologia social se structure autour de la notion de travail narratif. Une tecnologia social est conçue comme une coconstruction sociotechnique orientée vers la solution des problèmes sociaux. La démarche de cocréation mise en œuvre par une tecnologia social née à Rio de Janeiro –– Agência de Redes para a Juventude (AdR) –– offre à des jeunes en situation de marginalité la possibilité de repenser leur perception d’eux-mêmes et de leurs territoires, amenant ceux-ci à proposer des projets à fort impact social dans leurs communautés.

En ancrant l’exemple de AdR, nous théorisons un principe organisateur de la communauté fondé sur le concept de manifeste sociotechnique. Un manifeste fait deux choses essentielles, il s’oppose et il rassemble. En ce sens, l’œuvre-manifeste est un acte de rassemblement fondateur de communauté. Nous envisageons la démarche créatrice de AdR sous ces aspects de manifeste et dans sa fonction fédératrice suppléant à une carence institutionnelle. En considérant ce point de vue de la tecnologia social, nous introduisons le concept de prosopopée sociotechnique –– un enchevêtrement de concepts, d’artéfacts et des mécanismes –– expliquant la dynamique créatrice et émancipatoire du travail narratif.

Ma proposition résulte d’une recherche-création en dessin collaboratif associée à des images numériques, réalisées à partir de données issues de captures de mouvement. Co-création intersectorielle, réalisée avec un organisme communautaire, ce projet lie étroitement processus artistiques et émergences politiques, agissant à un niveau micropolitique. Avec les participantes rencontrées via Action Réfugiés Montréal, nous avons explicité comment la relation entre ces médiums de dessin et leurs gestes de dessiner produit des agirs, souvent dissensuels, quant aux assignations spatiotemporelles et sensibles subies par les néo-arrivantes dans la société québécoise.

Les instabilités actuelles m’ont amenée à aborder ces connaissances d’exilées produites hors du point de vue et des structures du monde académique. J’ai recueilli les gestes et les connaissances de personnes engagées dans des parcours d’exil, qui sont de plus en plus des réfugiées climatiques (Baillat, 2018). Sur cette connaissance élaborée par des personnes souvent assignées au silence, voire effacées de nos sociétés, j’appuie ma compréhension d’aujourd’hui et l’invention d’un demain au moyen du dessin élargi. Ma démarche de création en grand format et in situ amplifie sensiblement les approches de la migration comme une anthropologie du vacillement (Galitzine-Loumpet, 2019) et selon l’approche postmigrante (Schramm, 2019), en explorant la transformation de l’invisibilisation des exilées par le geste de dessiner

Le design, que nous considérons comme locomotive d’innovation, nous procure une richesse d’outil de réflexion sur nos pratiques d’enseignants et d’artistes à la fois. Il nous permet de transposer les processus créatifs, collaboratifs essentiellement (Lamoureux, Cardoso, Messina, 2019) et qui nous paraissent indispensables aujourd’hui pour construire un projet de recherche-création… Cette dernière s’appuie souvent sur un certain imaginaire collectif généré par une dynamique de groupe fort intéressante à souligner.

Aux frontières de la recherche-action et de la recherche DD (développement durable), nous plaiderons pour un projet intersectoriel favorisant le génie créatif, mais surtout la volonté de conquérir le champ vaste de l’innovation que ce soit sociale, politique ou culturelle… Le cas des « Ateliers ouverts » qui se tient à l’ISAMS depuis une dizaine d’années et où enseignants et étudiants de diverses spécialités œuvrent ensemble pour créer un meilleur cadre de vie universitaire représente un exemple phare qui génère diverses communications et arguments de projets de recherche. Avancer des réflexions sur le co-conçu, le co-écrit, le co-dirigé, ( Anadón , bagnoud, Henetton, 2007) ne se comprend pas uniquement dans le cadre d’une approche d’un design local mais plutôt en faveur d’un design global envahi souvent par la typologie évolutive d’une discipline et les métamorphoses du vécu dans toutes ses dimensions, ce qui suscite le débat mutuel entre plusieurs régions du monde.

Comment fait-on pour co-écrire une chanson? Comment les idées sont-elles nouées les unes aux autres? Si la création collaborative fait l’objet de nombreuses recherches en éducation comme en psychologie, elle est encore peu étudiée d’un point de vue musicologique, encore moins « de l’intérieur » (Bennett 2012). Cette communication rend compte des résultats de mon projet de maîtrise en musicologie/recherche-création (Stévance/Lacasse 2018) visant à mieux comprendre le processus de co-création d’une chanson par le biais de l’observation participante active (Adler/Adler 1987). Ma démarche de recherche, ancrée dans l’épistémologie du lien (Piron 2017), se veut un refus de l’injonction de neutralité positiviste. Je défendrai que c’est par la prise en compte de mon vécu émotionnel (Vaucher 2020) que je suis parvenue à élaborer mes analyses. Celles-ci, réalisées à partir d’enregistrements, d’un journal de bord et d’entretiens, m’ont permis de mieux comprendre, entre autres, les facteurs favorisant la co-création, la nature complexe des interactions entre les membres du groupe, et l’ampleur de la collaboration ayant donné lieu à chaque vers et motif mélodique de la chanson. Elles m’ont aussi permis de réfléchir à mon rôle de « facilitatrice » au sein du processus : comment avais-je négocié mon rapport d’autorité? Pourquoi avais-je, malgré moi, contribué à la chanson? J’ai ainsi pu mettre en lumière le rapport particulier entre les co-créateurs et créatrices et leur chanson.