335 - L'art dans le mieux-être individuel et collectif

Au Cirque du Soleil, nous croyons qu'il est encore possible de construire un monde meilleur, et d'être un cirque responsable, un cirque citoyen.  Le Cirque Soleil a pour mission d'invoquer l'imaginaire, de provoquer les sens, et d'évoquer l'émotion des gens autour du monde. Dans la poursuite de ses rêves et dans la pratique de ses affaires, le Cirque du Soleil aspire à se positionner dans la communauté en tant qu'acteur responsable de changement. Le Cirque du Soleil croit au pourvoir des arts et la créativité pour le mieux-être. Plusieurs programmes utilisant les arts et la créativité pour le développement social ont donc été mis sur pieds. L'exemple de cirque du monde,  l'une des grandes fiertés du Cirque du Soleil. Depuis sa création, le programme Cirque du Monde est maintenant implanté dans plusieurs pays à travers le monde en partenariat avec de nombreux organismes communautaires locaux, reconnus dans leur milieu pour la qualité de leur travail auprès des jeunes. L'utilisation des arts du cirque pour le développement d'habiletés sociales, la médiation culturelle et l'éducation. Des leçons de cirque aux leçons de vie!



Au Québec, en 2012-2013, 17,8% des jeunes du réseau public du secondaire décrochent avant d'obtenir leur diplôme d'études secondaires (MELS, 2015). Sur le plan scolaire, pour toutes sortes de raisons, qu'elles soient familiales, sociales, émotionnelles ou académiques, ces adolescents éprouvent des difficultés à fonctionner en classe, à transiger avec leurs pairs, les enseignants et la direction et à demeurer engagés dans leur cheminement. L'École serait un facteur de protection et un espace de vie ayant le potentiel de permettre le développement positif des élèves qui s'y engagent, particulièrement ceux qui sont à risque de décrochage scolaire. En effet, l'engagement à l'intérieur de l'école, soit dans les sports, les clubs, la classe et le conseil scolaire, augmenterait la présence à l'école, favoriserait la graduation et, par le fait-même, protègerait contre le décrochage scolaire (Skinner et Pitzer, 2012, p.23). Qu'en est-il de l'enseignement du théâtre à l'école? L'utilité et l'apport spécifique de l'art dramatique, en tant que matière scolaire du Programme de formation de l'école québécoise, comme ayant un potentiel motivationnel pour les élèves, a très peu fait l'objet d'évaluation. Il est temps de faire un état des lieux sur la question. 

De mars à juin 2015, dans le cadre du projet Espace Transition au Musée, une quinzaine de jeunes âgés entre 14 et 25 ans ont participé à une douzaine d'ateliers offerts par le Musée des beaux-arts de Montréal. Espace Transition est une initiative novatrice du Centre hospitalier universitaire Sainte-Justine. Menés par la Dre Patricia Garel, les programmes d'Espace Transition intègrent le théâtre, le cirque, la musique et les arts plastiques afin d'encourager la réinsertion sociale et la dé stigmatisation des personnes aux prises avec des problèmes de santé mentale. Dans la foulée des nombreuses publications internationales traitant des bienfaits de l'art sur la santé mentale et la santé en général, Espace Transition au Musée a été conçu conjointement par des chercheurs, des cliniciens et des professionnels de l'éducation en musée. Le succès du projet fera en sorte qu'il sera offert à nouveau en 2016. C'est grâce à des projets de collaboration comme celui-ci que le Musée des beaux-arts de Montréal manifeste son engagement envers le public et contribue au rôle important joué par les institutions culturelles dans le bien-être social et sanitaire de la population du Grand Montréal.



Nous présentons ici les résultats d'un projet pilote dans lequel un programme d'enseignement des arts médiatisé par les technologies mobiles a été implanté auprès d'un groupe d'étudiants à risque dans le but d'améliorer leur niveau d'engagement scolaire et citoyen. Cette recherche a été réalisée dans un centre d'éducation aux adultes accueillant des jeunes raccrocheurs de 16 à 18 ans désirant terminer leurs études secondaires. Les participants étaient invités à produire et partager des images qui exploraient des facettes de leur quartier, ainsi que des thèmes de création provenant de l'instructeur et des préoccupations issus des échanges du groupe. Nous avons recueilli et analysé les images, les commentaires qui les accompagnaient, les discussions textuelles sur l'application et les propos recueillis lors d'entrevues individuelles semi-ouvertes des participants. Nous présentons ici quelques conclusions d'intérêt pour la recherche en éducation dont l'interaction positive qui existe entre engagement citoyen et l'intérêt des participants envers les dimensions esthétiques et formelles des images produites sur leur quartier. Plusieurs participants ont reconnu que si une image est bien faite, elle sera d'autant plus efficace pour communiquer un message appelant à la participation citoyenne. Dans cette communication, nous allons examiner ce principe prometteur où existe un rapport entre encouragement de l'engagement civique et l'enseignement des arts visuels. 

La formation artistique, notamment dans le domaine théâtral, donne une place centrale au corps comme vecteur d'une certaine qualité de présence et d'expressivité. Le corps de l'artiste n'est pas un instrument extérieur au sujet mais l'incarnation vivante d'un style d'existence, manifesté dans une façon de se mouvoir, d'habiter l'espace et de rencontrer l'autre, couplé à l'intention particulière de son projet artistique. La connaissance de soi développée par l'artiste intègre donc une capacité à sentir et reconnaitre sa propre dimension sensible en dialogue vécu avec l'environnement. La présentation visera à mieux comprendre les résultats d'une recherche portant sur les compétences auto-perçues par des artistes clowns ayant plusieurs années d'expériences en milieu de soin. Nous tenterons d'expliciter la capacité d'ajustement qu'ils disent avoir développée, entre l'expérience de leur propre corps vécu et l'intervention artistique agie avec le patient vulnérable. Le savoir corporel de l'artiste, comme un sens d'accordage avec l'autre dans l'action, est susceptible de résonner en retour avec la propre corporéité du patient, mais aussi de transformer de l'intérieur la qualité de relation à soi et à l'autre dans les institutions. 

La danse constitue une intervention où l'activité physique implique diverses fonctions cognitives et motrices, en plus d'offrir une expérience multisensorielle par l'ajout de la dimension musicale et de l'interaction sociale. Les recherches faites à ce jour suggèrent que la combinaison des dimensions physique, musicale et relationnelle proposée à travers la danse peut générer des bénéfices additionnels en neuroréadaptation, ce qui en fait une modalité intéressante à investiguer auprès de personnes cérébrolésées. La conférence réfère à deux projets qui furent menés en réadaptation précoce d'AVC – l'un en phase subaiguë et l'autre en phase aiguë –, des projets qui visaient entre autres à stimuler le potentiel de récupération des patients. La sévérité des déficits neurologiques et leur hétérogénéité chez la population visée ont posé de nombreux défis, tant pour le développement de l'intervention que pour l'évaluation de ses effets. Les réalités paradigmatiques et méthodologiques qui prévalent dans le milieu hospitalier ont aussi soulevé d'importants questionnements, en plus de nourrir une réflexion en matière d'explicitation des contenus à des fins pérennes. L'apport de la danse chez la population ciblée sera finalement abordé, ainsi que l'intérêt que présente l'interdisciplinarité dans le développement de l'intervention dansée. 

Selon un recensement publié par Raw et al en 2012, les recherches existantes sur l'art à l'hôpital ont tendance à englober la gamme entière des pratiques artistiques destinées aux milieux de soins, qu'elles aient des visées thérapeutiques ou non (pp. 97-99). Étant donnée la croissance continue de la recherche en art et santé, nous considérons que l'heure est venue de fournir une meilleure différentiation des formes, des types et des visées des pratiques d'art qui peuplent actuellement les milieux hospitaliers. Ainsi, nous nous attarderons pour cette communication sur une forme précise d'art en milieu de soins : l'art public intégré à l'architecture. Nous prendrons pour étude de cas les œuvres d'art public choisies pour les deux nouveaux sites des « méga-hôpitaux » montréalais : la Phase II du CHUM et le site Glen du CUSM. En plus d'identifier les formes et les visées distinctes des œuvres commandées pour ces lieux, nous aborderons la question de la mesure de l'impact – si prisée dans les recherches actuelles sur l'art et la santé – afin de proposer une méthodologie qui, à notre avis, est mieux adaptée pour l'étude d'un art hospitalier n'ayant pas de visées proprement thérapeutiques. Ce faisant, nous discuterons des suppositions qui sous-tendent la recherche sur l'art en milieux de soins, notamment en ce qui a trait aux bienfaits de l'art. 

Dans cette présentation, la pratique de la musicothérapie - le qui, le quoi, le comment et le pourquoi - sera discutée à la lumière du domaine, en pleine expansion, des arts en milieu de soins de santé. Quelques vignettes cliniques illustreront le rôle diversifié de cette discipline professionnelle qui a vu le jour au lendemain des deux guerres mondiales. Les hôpitaux étant remplis d'anciens combattants traumatisés par les guerres, il a souvent été observé que seule la musique pouvait les aider à exprimer leurs émotions. En conséquence, le besoin de former les musiciens ayant des compétences cliniques est devenu prioritaire. Le premier programme de formation en musicothérapie a été crée en 1944 à Michigan State University. Ayant son propre code de déontologie et des normes de pratiques basées sur les données probantes, le musicothérapeute est un musicien accompli qui est diplômé d'un programme de musicothérapie reconnu et accrédité (MTA) par une association de musicothérapie. Tel que défini par l'Association du musicothérapie du Canada, « la musicothérapie est l'utilisation judicieuse de la musique et de ses éléments par un musicothérapeute accrédité afin d'améliorer, de maintenir, ou de rétablir la santé mentale, physique, émotionnelle et spirituelle d'une personne.» Les possibilités de collaboration dans l'ensemble du continuum des pratiques des artistes, artistes pédagogues et thérapeutes par les arts seront également abordées.