328 - La satire dans les arts visuels : questions de la recherche actuelle

Le personnage de M. Calicot, archétype du jeune commis marchand prétentieux, aimant parader sur les promenades à la mode comme un vétéran de guerre, portant éperons sonores et moustaches extravagantes, fait son apparition sur la scène du Théâtre des Variétés à l'été 1817.??

??C'est aux estampes satiriques de 1817 qu'il revient d'avoir exploré et répertorié les manifestations du Calicot comme type social parisien, tel qu'il sera appréhendé tout au long du XIX^e siècle dans la littérature de moeurs et dans la littérature physiologique. La représentation de types sociaux parisiens dans la culture visuelle et imprimée de la Restauration répond au goût du public pour la classification, le décryptage et la compréhension des rôles sociaux d'une modernité urbaine en mutation. Ainsi, en aval des modèles de classification scientifique hérités des Lumières et de la physiognomonie du début du XIX^e siècle, mais en amont des Physiologies réalistes, l'imagerie satirique du Calicot produite en 1817 constitue un jalon dans l'effort d'observation sociale en même temps qu'un vecteur du discours satirique dans la culture de masse.

L'imprimerie, introduite au Bas-Canada après la Conquête, a permis la fondation de journaux périodiques. Ceux-ci permirent à leur tour la naissance d'un espace public et la création subséquente d'une opinion publique. Les citoyens bas-canadiens pouvaient enfin exprimer leurs idées quant à leur désirs en matière de gouvernement. La satire et l'ironie, déjà présentes dans la société comme certaines pratiques tel le charivari nous le démontrent, furent utilisées pour présenter un discours parallèle au discours officiel des autorités.

Cette communication présentera quelques éléments de notre présent travail sur le peintre canadien Joseph Légaré (1795-1855) qui a vécu à Québec, capitale coloniale du Bas-Canada, pendant une période très troublée de notre histoire, dominée par l'échec des Rébellions de 1837-1838 et la mise en place consécutive du régime politique  de l'Union qui avait pour effet de lier le Bas et le Haut-Canada dans un même régime parlementaire. Un des buts de cette manœuvre du gouvernement colonial britannique était d'assimiler les Canadiens français à la majorité britannique.

Je propose un examen de l'essor du cartoon politique américain dans les années qui suivirent la Guerre de Sécession, et son appropriation délibérée de la peinture d'histoire européenne. Le conflit entre le Nord et le Sud des États-Unis eut un retentissement considérable non seulement sur le développement de la presse illustrée américaine, mais aussi sur l'art de la caricature. En permettant à trois hebdomadaires new yorkais, Harper's Weekly, Frank Leslie's Illustrated Newspaper et le New York Illustrated News, d'atteindre des tirages sans précédent, et en leur donnant ainsi une position dominante à l'échelle nationale, la guerre fournit également un nouveau support à la satire politique. Le dessinateur Thomas Nast donna à cette nouvelle forme d'image son expression la plus sophistiquée, tant par son habileté artistique que par son intelligence politique. Cet essai examine plus particulièrement la façon dont le dessinateur mis à profit la circulation de la peinture d'histoire européenne aux Etats-Unis dans ses cartoons politiques de la Reconstruction. 

La satire et la parodie des œuvres d'art prolifèrent à partir du début du XIXe siècle. De toute évidence, ce phénomène participe de l'essor des formes de diffusion de la satire visuelle. Mais l'art est-il un sujet comme un autre ou présente-t-il une spécificité ? S'agit-il d'une forme de facilité qui amènerait les créateurs de ces images à recycler des compositions plus ou moins célèbres en s'épargnant la peine et la difficulté d'en inventer de nouvelles ? Ou ces détournements révèlent-ils des choix qui nous renseignent sur la culture de ceux qui les conçoivent et, par conséquent, sur celle de leur public ? Ces productions participent de l'histoire de l'art : nombre d'artistes ont été dessinateurs satiriques, particulièrement intéressés par les œuvres d'art et leur passage par la satire ou la caricature a souvent été un moment fondateur. Surtout, ces parodies démultiplient les images pour en renforcer l'impact. Elles instaurent une distance critique vis-à-vis de l'œuvre d'art, les artistes étant contraints de refonder les fonctions de représentation et le régime de visualité de leurs productions. Ces questions seront abordées par la présentation et l'analyse de quelques exemples empruntés à la peinture, à la sculpture et à l'architecture (avant 1850). L'étude comparée des différentes formes de satire de ces techniques, dont les deux dernières sont considérées comme traversant une crise profonde, permettra de préciser les enjeux de réception et de visualité.

Cette recherche se propose d'étudier un exemple de satire visuelle, à travers l'analyse de l'ouvrage intitulé l'Histoire de l'Art pour les Nuls, publié en 2006. Cet ouvrage est illustré par des dessins de Marc Chalvin, lesquels se trouvent au debut de chacun des sept chapitres du livre. L'étude s'intéressera aux representations visuelles qui ressortent de ce type particulier de discours accompagnant celui, plus habituel, plus “normal” d'un ouvrage relevant de la discipline “Histoire de l'Art”. Le recours a un discours satirique dans ce domaine s'avère être très intéressant à analyser, cette analyse permettant de saisir la manière avec laquelle s'articulent les rapports entre le discours principal et ce discours visuel. Ce corpus assez particulier soulève diverses questions quant aux points suivants: forme, contenu, mode de fonctionnement… Par ailleurs, il est important de souligner ici le fait que le discours satirique véhiculé à travers les illustrations ne se contente pas seulement de “ se moquer gentiment”, mais invite également les recepteurs à une réflexion portant sur le comment du “penser l'Art”. Au terme de la recherche, nous espérons apporter quelques éléments de reponse aux diverses interrogations soulevées.  

En juin 1964, l'artiste torontois Harold Town (1924-1990) est l'un des représentants du Canada à la 32^e Biennale de Venise. Parmi la quarantaine d'œuvres exposées, dix dessins sont issus de la série Enigma. Chacun d'entre eux est satirique et onirique, en plus d'être marqué par l'érotisme et la sexualité. Deux des dessins sont censurés suite à une plainte portée par un cardinal italien, Giovanni Urbani, qui y voit des dessins malséants. 

En décembre 1964, Town dénonce aussi l'hypocrisie de la société et les abus du pouvoir, au moment où il publie, Enigmas = Enigmas = Énigmes, un ouvrage dans lequel l'artiste expose sa vision du Canada de manière satirique. Le texte – publié à la fois en anglais, en français et en espagnol – compte en tout une dizaine de pages. Il est suivi de vingt reproductions d'œuvres issues de la série Enigma qui donnent, par la même occasion, le titre à l'ouvrage. Les deux satires graphiques censurées à Venise sont les deux premières reproductions de ce livre. 

Avec cette communication, je propose de me pencher sur la production satirique de Town en lien avec la série Enigma. Pour ce faire, je me concentrerai à la fois sur le texte et sur les images, en faisant ressortir les procédés graphiques et stylistiques employés par l'artiste pour exposer sa vision satirique du Canada ainsi que du monde qui l'entoure.

S'adressant à un public d'esthètes, amoureux de Warhol et de Cocteau, le cinéma de Waters envisage le mauvais goût et la laideur en tant que parti pris esthétique. Influencé par l'esthétique de l'ennui du cinéma warholien, il est surtout marqué par le travail expérimental de Kenneth Anger, monument du cinéma underground américain. Waters, qui souhaite rejoindre ce public qui « croit avoir tout vu », marie ici le burlesque et la violence avec une gratuité aberrante. Divine, crue, méchante, mais dotée d'un étonnant pouvoir d'attraction, est à la fois une satire du féminin et du masculin. Par une attitude in-yer-face, qui se répercutera plus tard chez nombre d'artistes performeurs, elle cherche à confronter directement le spectateur à ses limites. Devant cette image vide (le personnage n'existant pas en dehors de son masque), le spectateur doit réaménager son regard. Plutôt que de percevoir la violence ou la cruauté du personnage, celui-ci en devient complice. Son regard est amusé, ironique, devant les multiples transgressions du personnage (cannibalisme, inceste, meurtre, scatologie...). Cette complicité du spectateur devant la satire sera au cœur de notre lecture du personnage de Divine. Devant la cruauté burlesque de Divine, comment le spectateur analyse-t-il la représentation ? L'humour satirique nous permet-il de dépasser la question morale?

Pour l'histoire du Québec et du Canada depuis nos origines, la satire a été un outil pour questionner la véracité des faits historiques et politiques. La satire est également une stratégie employée par les artistes contemporains pour soulever des problématiques liées à la lecture de l'histoire : elle permet à l'artiste de s'immiscer dans l'écriture de l'histoire, de prendre parole et de questionner le discours et aussi l'esthétique dominants. Outre le caractère narratif de la satire, les arts visuels jouent également sur la matérialité. Ces deux facettes seront abordées ici par référence à des artistes comme Joyce Wieland, Claes Oldenburg, Franz West, Mike Kelley, Cindy Sherman, et Paul McCarthy. La satire au niveau formel prend souvent les formes du burlesque, de l'informel, de l'utilisation des arts appliqués, domestiques et populaires. Il s'agira d'illustrer comment se fait le processus de création de ce type d'approche critique, à partir de ma position d'artiste. Je montrerai comment je reprends les discours dominants en les détournant de leur supposée véracité (à partir de la représentation des Saints Martyrs canadiens jusqu'au discours d'ultra droite du gouvernement conservateur) pour ensuite aborder l'articulation du formel et du matériel qui est nécessaire pour faire rire et pour interroger le consensus esthétique dominant. Outre l'aspect narratif, je m'attarderai au caractère matériel de mes œuvres pour réfléchir à l'émergence d'une matérialité qui fait rire.

La vidéo-performance Actions in Action (1997) du duo états-unien HalfLifers présente une satire des codes du Beau. Tant par lʼabsurdité des actions performées que par les maladresses dans la maîtrise du médium, le duo simule lʼidiotie. À partir de ce cas, nous exposerons les liens entre la figure de lʼidiot et la satire, ce qui nous amènera à les rapprocher au phénomène des rites dʼinversion.

Lʼhistoire des représentations visuelles et littéraires de lʼidiot dévoile une figure expansive et indissociable de la satire. En plus de constituer un personnage récurrent dans les œuvres satiriques, des éléments de son iconographie sont intégrés aux représentations dʼautres individus ou groupes, entraînant ainsi un effet parodique appuyant lʼinconvenance du sujet représenté. Emblème de la déviance, la figure de lʼidiot, tant comme personnage que comme manière formelle de décrire un sujet, souligne un écart à la norme.

Nous proposons d'examiner la satire et le féminisme par une étude de cas des œuvres Furniture Bondage de Melanie Bonajo. Dans un premier temps, nous expliquerons comment la satire visuelle et le féminisme peuvent être utilisés conjointement. Nous expliquerons brièvement notre conception de la satire : soit qu'il s'agit d'une critique moqueuse, voire ironique, d'une norme sociale. De son côté, le féminisme critique les normes de genre qui hiérarchisent ceux-ci et relèguent les femmes au second plan. 

La satire utilise le comique et l'ironie pour faire passer un message qui pourrait sembler trop difficile à entendre autrement. Les femmes artistes ont appris à utiliser cette technique pour faire entendre leurs voix. Avec l'ironie, la satire adopte le discours de l'autre, mais le ridiculise sous un autre degré d'interprétation. Il est donc plus aisé pour les femmes de se faire entendre en disant ce qui pourrait être souhaitable. Toutefois, pour un spectateur avisé, la lecture au second degré peut rapidement faire apparaître une critique évidente de certains effets néfastes engendrés par les normes de genre. Dans un second temps, nous ferons une étude de cas des Furniture Bondage de Melanie Bonajo. Nous affirmerons que ces œuvres sont des satires de l'objectivation du corps des femmes.